В центре танцоры, вдохновленные образами балетов Русских сезонов Дягилева: легкие силуэты, движение, ритм и драматургия, застывшие в одном мгновении. Свет окон вокруг сцены, тёплый и живой, напоминает маленькие шкатулки, в каждой из которых скрыта своя история: разговоры, мечты, репетиции, любовь к искусству. Пространство становится декорацией и одновременно зрителем.

Перед сценой — луна. Она освещает происходящее мягким театральным светом и превращает обычный вечер в волшебство. Все здесь про ожидание чуда, про музыку, которую будто слышишь сквозь ткань, и про тайную жизнь ночи, где танец продолжается даже после закрытия занавеса.

К нему идеально подходят серьги "Сказочный чертополох" по иллюстрациям к русским сказкам.

Его работы кажутся почти наивными. Как будто кто-то просто разбросал по холсту линии, точки, звезды.

Миро родился в 1893 году в Барселоне, учился коммерции, работал клерком. В 1911 году у него случился нервный срыв, и это стало поворотной точкой. После восстановления на семейной ферме он решает полностью посвятить себя искусству.

В 1920-х он переезжает в Париж и оказывается в центре художественной жизни. Там он общается с поэтом Андре Бретоном, знакомится с Пабло Пикассо, пересекается с Сальвадор Дали, но при этом не растворяется в сюрреализме, а довольно быстро выстраивает свой собственный визуальный язык.

Миро никогда не был только художником.
Он пробовал буквально всё: печатает литографии и гравюры, делает керамику и скульптуры, работает с текстилем (его гобелены потом окажутся в музеях и общественных пространствах), создаёт сценографию для театра и балета.

Например, в 1950–60-х он делает масштабные керамические панно для здания UNESCO в Париже (стены Солнца и Луны). А позже — крупные скульптуры для городов Европы и США, которые до сих пор стоят в публичных пространствах.

В жизни Миро было много красивых и драматичных деталей.

• Первая персональная выставка в 1918 году в Барселоне привалилась, ни одной продажи.
• В 1925 он пишет «Карнавал Арлекина» (Harlequin’s Carnival) — работу, в которой уже полностью появляется его язык.

〰️А в 1941 создаёт серию Constellations во время Второй мировой войны, в изоляции, как способ сохранить внутреннюю опору.
Андре Бретоном назовет его «самым сюрреалистом из всех», подчёркивая насколько органично он работает с подсознанием и символами.
А картину The Farm (1921–1922) купит Ernest Hemingway, и будет хранить её до конца жизни, считая одной из самых точных картин о «настоящей земле».

И тут появляется неожиданный поворот в дизайне.
В 1980-х Миро создаёт символ для банка La Caixa, ту самую цветную звезду. Причём это изначально был гобелен, созданный для общественного пространства, и только потом он стал основой айдентики банка.

И ещё несколько деталей, от которых он становится совсем живым:

• он очень любил поэзию и дружил с поэтами: Андре Бретоном, Полем Элюаром, Тристаном Тцара.
• часто работал сериями, возвращался к одним и тем же символам (звезды, птицы, глаза), постепенно упрощая их до почти абстрактных знаков
• мог разрушить собственную работу и начать заново, для него важен был не результат, а точность ощущения
• в поздние годы довёл язык до предела, в серии Blue (1961) остаются почти только цвет, линия и пространство, и именно за счёт этого возникает сильное эмоциональное воздействие
• его гобелен находился во Всемирном торговом центре в Нью-Йорке и был уничтожен во время терактов 11 сентября 2001 года, работа, которая задумывалась как про радость и жизнь, исчезла в одной из самых трагичных точек современной истории.

Если вам захочется продолжить знакомство:

• Фильм Joan Miró: The Inner Fire, про его внутреннюю логику и подход к искусству
• Книга Joan Miró: Painting and Anti-Painting, про его метод и мышление.
• Вживую Fundació Joan Miró, музей открылся в 1975 году при участии. самого художника, и пространство там выстроено так, чтобы работы дышали и не терялись.

«Мастер и Маргарита» — один из самых загадочных текстов XX века.
И мифов вокруг него бесконечно много. Сегодня поделюсь некоторыми.

Роман мог остаться без Мастера и Маргариты
В ранних редакциях конца 1920-х годов, тех самых, которые Михаил Булгаков позже уничтожил, в тексте действительно не было ни Мастера, ни Маргариты. Роман выглядел иначе: больше «черной магии», больше сатиры, больше библейской линии. И даже назывался по-другому: «Копыто инженера», «Чёрный маг», «Жонглёр с копытом». Главные герои появились позже, в 1930-х.
И часто отмечают, что образ Маргариты мог быть связан с Еленой Сергеевной Шиловской, третьей женой писателя.

Бегемот
Кот Бегемот — один из самых живых персонажей романа. Существует версия, что некоторые его повадки могли быть навеяны реальным питомцем Булгакова, псом по кличке Флюшка. Об этом вспоминала Елена Сергеевна: писатель любил «очеловечивать» животное, приписывая ему характер и мысли. Сам образ Бегемота, конечно, гораздо сложнее, это смесь гротеска, наблюдательности и чистой литературной игры.

Воланд
В ранних черновиках Воланд выглядел иначе — более резким, устрашающим.
Встречаются описания с подчеркнуто демоническими деталями: шрамы, странная внешность, более прямолинейное зло. Со временем образ поменялся. Булгаков ушел от внешней выразительности и сделал Воланда спокойным, почти холодным, наблюдающим. Тем самым персонажем, который не объясняется до конца, и от этого становится только сильнее.

Аннушка
Та самая Аннушка, «которая уже разлила масло», почти ощущается как реальный человек.
В булгаковедении встречается мнение, что у неё был прототип — соседка писателя по коммунальной квартире на Большой Садовой. Иногда даже называют имя, Анна Горячева. Мол она по воспоминаниям писателя, она была «бичом всей квартиры», постоянно скандалила и била своего сына. Она настолько впечатлила автора своей склочностью, что попала не только в этот роман, но и в повесть «№13 Дом Эльпит-Рабкоммуна» и «Театральный роман».

Последние правки
В конце 1930-х Булгаков уже тяжело болел, но продолжал работать над романом. Последние правки вносились буквально за несколько недель до его смерти в 1940 году, часто под диктовку Елене Сергеевне. Он страдал от той же болезни почек (нефросклероза), что и его отец. Писатель шутил, что умрет в 1940 году, и именно в марте того года его не стало. Последнюю правку в роман Елена Сергеевна внесла под его диктовку за несколько недель до смерти: это была фраза Маргариты: «Так это, стало быть, литераторы за гробом идут?

Друзья, привет! Сегодня хочу рассказать вам о книге про фееричную Эльзу Скиапарелли.

Жизнь, действительно, шокирующая, книга интересная, но написана своеобразно. Мысль течет непрерывно, и довольно сложно бывает понять, что автор, то и дело называющая себя то в первом, то в третьем лице, начала описывать новое событие, время или место.

Но погрузиться в эпоху точно получится.

Скиапарелли рассказывает о своём жизненном пути: детстве в интеллектуальной итальянской семье, раннем стремлении к свободе и переезде в Париж. Она описывает становление как дизайнера, создание собственного модного дома и новаторские идеи, включая сотрудничество с художниками-сюрреалистами, особенно Сальвадором Дали. Книга наполнена личными воспоминаниями, мыслями о времени между двумя мировыми войнами и её желанием разрушать границы между искусством и одеждой.

Хочу поделиться с вами тем, что еще можно почитать и посмотреть про дизайнера.

История ее дома моды на официальном сайте.

Фильм "Mrs. Harris Goes to Paris" (2022). Хотя фильм не о Скиапарелли напрямую, он изображает мир высокой моды Dior 1950-х, в котором Скиапарелли тоже была активна. Можно считать хорошим дополнением для атмосферы эпохи.

Короткометражный фильм «Schiaparelli & Prada: Impossible Conversations» (2012), который представляет воображаемый обеденный разговор между двумя легендами моды — Эльзой Шапарелли и Миучкой Прадой.

Книга "Schiaparelli & Prada: Impossible Conversations" — Harold Koda, Andrew Bolton. Каталог выставки в The Metropolitan Museum of Art (2012), в которой работы Скиапарелли «беседуют» с Прадой.

Книга " Shocking! The Art and Fashion of Elsa Schiaparelli" — Dilys Blum. Официальный каталог одноимённой выставки. Великолепные иллюстрации, исторический контекст, анализ влияния искусства.

Книга "Elsa Schiaparelli: A Biography" — Meryle Secrest. Подробная биография на английском языке, исследует не только карьеру, но и личную жизнь, связи с сюрреалистами.

Музеи:

Musée des Arts Décoratifs (Париж)

Сайт: madparis.fr

В разделе Collections en ligne можно найти предметы, созданные Скиапарелли.

The Metropolitan Museum of Art – The Costume Institute (Нью-Йорк)

Сайт: metmuseum.org

Введите "Elsa Schiaparelli" в поиске — вы найдете архивные фото, описания, детали кроя и материала.

Victoria and Albert Museum (Лондон)

Сайт: vam.ac.uk

Поиск по “Schiaparelli” покажет архивные экспонаты и материалы из модного фонда музея.

Philadelphia Museum of Art

Сайт: philamuseum.org

Каталог выставки “Shocking! The Art and Fashion of Elsa Schiaparelli” не доступен полностью онлайн, но доступны отдельные страницы и экспонаты.

Google Arts & Culture

Сайт: artsandculture.google.com

Введите “Elsa Schiaparelli” — представлены работы, архивные фото, сотрудничество с Сальвадором Дали, выставки.

Приятного погружения!

Попасть в театр-музей Сальвадора Дали было моей очень давней мечтой.
Я мечтала об этом больше 20 лет, и однажды она всё-таки осуществилась. И сегодня я хочу поделиться историями о ювелирных шедеврах из этого музея, которые создал этот неоднозначный гений.

В Teatro-Museo Dalí хранится отдельная коллекция ювелирных работ Дали “Dalí Jewels”.
Это не украшения в привычном смысле. Это миниатюрные сюрреалистические миры, где золото, драгоценные камни и механика превращаются в язык образов.

Дали создавал эти работы по своим эскизам (эскизы тоже часть выставки), а воплощали их мастера-ювелиры. Всего в коллекции около 39 объектов и каждый из них работает как маленькая сцена, где всё подчинено идее, а не форме.

И вот некоторые из них:

The Royal Heart (Королевское сердце)
Одна из самых известных работ коллекции.
Золотое сердце, украшенное рубинами и драгоценными камнями, внутри которого скрыт механизм. Оно буквально живет, движется, пульсирует. Это не символ сердца, это почти само сердце, превращённое в объект искусства.

The Eye of Time (Глаз времени)
Брошь в форме глаза с встроенными часами.
Очень далиевский образ: время, которое смотрит на тебя. Или ты — на время. Граница между наблюдателем и объектом здесь полностью размыта.

The Space Elephant (Космический слон)
Лёгкая, почти невозможная фигура слона с тонкими, вытянутыми ногами.
Он выглядит так, будто нарушает законы гравитации — и именно в этом вся суть Дали: сделать невозможное естественным.

The Medusa Necklace (Ожерелье Медузы)
Украшение с образом мифологической Медузы.
Роскошь здесь сочетается с тревожностью — как будто красота и опасность существуют одновременно, в одном дыхании.

The Lips Brooch (Брошь-губы)
Очень узнаваемый мотив Дали.
Губы превращаются в самостоятельный объект, почти символ желания, голоса, присутствия. Это уже не тело — это знак.

The Snake (Брошь-змея)
Гибкая, изогнутая форма, которая словно движется.
Змея здесь не просто образ, а линия, которая «живет» в пространстве.

Дали никогда не создавал просто предметы. Он создавал состояния. И, пожалуй, самое сильное впечатление от этой коллекции — ощущение, что ты смотришь не на украшения, а на материализованные сны.

И еще одна вещь, которая меня очень впечатлила, что в сувенирном магазине продаются украшения из дерева!! В той же технике, в которой я делаю своих серьги и подвески!